im 1946 in Bulgarien geborene Künstler Dimitri Vojnov, studierte an der Akademie der schönen Künste in Sofia, später Dozent für Malerei an der Alma Mater.

Dimitri Vojnov ist ein Realist und ein Meister des Details. Es entstehen sinnlich-mystische Bildwelten, die reale und visionäre Einblicke vermitteln. Er hatte schon immer ein hohes Interesse an den großen Malern der Kunstgeschichte und der Renaissance, wie zum Beispiel Pierro della Francesca oder Hans Holbein und verwendet teilweise als Hintergrund ein intensives Cobaltblau, das eine Referenz zu dieser Epoche darstellt. Unverkennbar ist in seiner Malerei seine lange klassisch akademische Ausbildung, die mit inhaltlich provokanten Darstellungen und Erotik fesseln, die häufig bis ins Groteske übersteigert sind.

In seinen Bildern findet häufig ein Spektakel statt mit zum Teil grotesk verzerrten, karikierenden Bildern, in denen halbseidene oder dekadente Welten entstehen mit einer stark erotischen Grundtendenz. Manchmal haben seine Werke auch eine gesellschaftspolitische Note, wie in dem Werk „Der Raub der Europa“, das symbolisch die politische Uneinigkeit von Europa darstellt. Besonders polarisiert hat Vojnov mit seiner Bilderserie „Paris Bar“, das einem Führer durch das lasterhafte Berlin gleicht, wo er Bilder aus der illustren Gesellschaft künstlerisch verarbeitet hat. Es entsteht eine phantastische Partyszene mit grotesken und skurrilen Anflügen. In seinen Werken sind die Figuren männlich wie weiblich zumeist fast gänzlich nackt, wobei er meisterlich die menschliche Haut bildlich umsetzt. Die Weiblichkeit ist in vielen Posen dargestellt. Skurril sind seine Frauenportraits mit großem Kopfschmuck, wie zum Beispiel Baguettes, ein großer roter Krebs, Haare wie Kirschen oder Kaffeekannen und -Tassen. Die Symbolik in seinen Bildern ist vielfach schwer zu deuten. Der Künstler sagt selbst er male aus der Phantasie und erzähle Geschichten.
 
Die verbundenen Augen einer Dame, Kartenspiele an den Fußzehen, eine voluminöse Braut mit einem Ganter zwischen den Beinen. Meist sind die Augen der Frauen durch einen Turban, Faschen oder Tücher verdeckt - wobei man sich die Frage stellt, wollen sie nichts sehen oder dürfen sie nichts sehen? Vojnov erklärt sehr knapp dazu, daß Frauen ein hohes Maß an Sensitivität hätten und würden auch mit verbundenen Sinnen alles erfühlen und wissen.

Malerei ist für Vojnov ein Spiel, Theater, auch Lüge. Häufig ist in seinen Partyszenen und Gelage ähnlichen gesellschaftlichen Darstellungen ein Kartenspiel angedeutet.
Abschließend beschrieben: Die Werke des Dimitri Vojnov sind skurril, phantasiereich und von intensiver Farbgebung – sie beunruhigen, wühlen emotional auf und fesseln zugleich.

Maika Korfmacher kommt aus der Rau - Keramik her, die ihren Reiz im Unvollkommenen hat und ganz im Sinne des japanischen Zen - Buddhismus die weitgehend vom Zufall bestimmte und nie vollkommene Form zum Ziel künstlerischen Schaffens deklariert. Für ein großes Deckelgefäß mit überdurchschnittlich dicker Wandung, einer rauen, fast unfreundlichen Oberfläche und einem dünnen Blattgoldüberzug des Innenraumes erhielt sie 1989 den Nordrhein-Westfälischen Staatspreis für das Kunsthandwerk im Bereich Keramik. So wie dieses Deckelgefäß vom Gegensatz Innen - Außen beherrscht ist, so zieht sich dieser Gegensatz wie ein Yin und Yang durch das gesamte Werk von Maika Korfmacher.

Vom ursprünglichen Raku, das sie wie kaum eine andere Künstlerin in Deutschland zu Reife und Vollendung gebracht hat, hat sich Maika Korfmacher inzwischen zumindest teilweise gelöst. Neben den gedrehten Dosen, Schalen, Kummen und Stelen finden sich neuerdings zunehmend blockhafte Tonobjekte aus den unterschiedlichsten Tonmassen, die durch “Schlagen”, also durch Heben, Drehen, Fallenlassen entstanden sind. Dabei bestimmen die Fallhöhe, der Drehwinkel sowie die Beschaffenheit der Unterlage ganz wesentlich das Ergebnis: die Tone haben sich homogen miteinander verbunden und bilden eine an den Rändern gestufte rechteckige oder quadratische Fläche, die sich zur Mitte hin zu einer Rundform aufbäumt bzw. konzentriert. Damit findet auch hier wieder der Dialog zwischen Innen und Aussen statt, wenn auch in gänzlich neuer Form. Diese Tonblöcke nun sind nicht mehr im vibrierenden Rakubrand gegart, sondern im neutralen Elektro-Ofen. Sie leben auch nicht mehr von einer noch so reduzierten Zweifarbigkeit, sondern nur noch vom Spiel des Lichtes auf ihren schwarzen Oberflächen. Auf ihnen stehen sich Licht und Schatten im Zwiegespräch gegenüber. Im Gegensatz dazu zeigen die aufgebauten Kästen in ihren stark verkleinerten, das heißt beschränkten Innenräumen wieder Blattgold- oder Blattsilberauflagen. Ein größerer Kontrast zur schrundig schwarzen Oberfläche ist kaum denkbar. Die wenig handfreundlichen Oberflächen der Stelen sind bewusst in rhythmischen Abständen aufgerissen und die so entstandenen “Wunden” wiederum mit feinstem Blattgold ausgelegt worden. Erinnern die großen Deckelgefäße und Schalen, aber auch die Kästen an magische Kultobjekte, so die Stelen an die Darstellung mittelalterlicher Geißelsäulen. Auch hier also ein Gegensatzpaar im Werk von Maika Korfmacher: Der in sich ruhenden klaren Form steht der Schmerz des Aufreißens, desVerletzens gegenüber.

Vor einiger Zeit hat Maika Korfmacher ihre Auffassung von der Keramik wie folgt beschrieben: “Ein Klotz Ton auf der Scheibe, die Bewegung verfolgen, und diese Bewegung und das Massive festhalten. Das Material und die technischen Möglichkeiten verleiten dazu, dekorativ zu werden, wunderschöne Oberflächen zu gestalten. Mich interessiert es, die Form davon abhängig zu machen, was sie für eine Oberfläche hat und umgekehrt. Sobald man Gefäße macht, ist das der springende Punkt.”

Maika Korfmacher macht Gefäße, wenn auch absolut a-funktionelle. Sie begreift ihr Schaffen nicht als das Herstellen von beliebig geplanten Formen, sie verhilft vielmehr ihrem Material, der Erde, seine Form zu finden. Damit steht sie voll in der japanischen Tradition, nach der nicht der Töpfer Form und Charakter einer Keramik bestimmt, sondern der Ton, die Erde, dem Material, aus dem wir alle geformt sind.

Maika Korfmacher verblüfft immer wieder durch die konsequente Reduzierung von Form und Farbe. Ihre Werke - gleichgültig aus welcher Schaffensperiode- laden stets zur Kontemplation ein und wecken im Betrachter Bilder und Assoziationen, deren er sich vorher nicht bewusst war. Ihre “Gefäße” sind nicht dazu bestimmt, irgend etwas aufzunehmen, sie sind bereits gefüllt- mit der Leere. Daraus beziehen sie ihre Existenzberechtigung, sie verweisen uns auf die Grundlage unserer Existenz. Sie sind existenzielle Gefäße.

Prof. F. Günter Zehnder stellte anlässlich der Ausstellung „Die warme Berührung“, 2006, inder African Art Gallery, Köln, fest, dass ein ausbalanciertes Verhältnis von Hintergrund und Fläche zu einer ganz zurückhaltenden Farbund Formensprache besteht. Zülfikars Bilder verbinden durch das gewählte Material spirituelle Inhalte mit den materiellen Erzeugnissen jener immer noch lebendigen, archaischen Volkskultur. In Kombination mit der zurückhaltenden Verarbeitung lassen Zülfikars Farben die in dem Material gespeicherten Informationen frei werden. Dadurch erhalten die Bilder ihre Ausdruckskraft und bezaubern uns durch ihre Wärme.